Συνέντευξη: Καλλιτέχνης Aditya Novali

Η Aditya Novali γεννήθηκε στο Solo της Ινδονησίας. Έλαβε πτυχίο Μηχανικής Αρχιτεκτονικής από το Universitas Katolik Parahyangan, το Bandung της Ινδονησίας το 2002 και από το Master of Conceptual Design από την Ακαδημία Design Eindhoven της Ολλανδίας το 2008.

Τα τελευταία χρόνια έχει συμμετάσχει σε πολλές ομαδικές και ατομικές εκθέσεις στην Ινδονησία και το εξωτερικό. Μόνο το 2015, τα έργα του παρουσιάστηκαν στις ομαδικές εκπομπές «Titik Silang» στο Dia Lo Gue και «Ak Diponegoro» στην Εθνική Πινακοθήκη της Τζακάρτα, στο «ArtJog15: Infinity in Flux» στο Taman Budaya στη Yogyakarta και στο εξωτερικό στο 'Object: Σχετικά με τη μνήμη και το χρόνο 'στο Nunu Fine Art στην Ταϊπέι καθώς και' (Dis) εμφανίζονται 'στην Πινακοθήκη Primae Noctis στο Λουγκάνο της Ελβετίας. Οι ατομικές του εκθέσεις περιλαμβάνουν το «Ζωγραφική Λογική» στο Roh Projects Τζακάρτα το 2014, «Πέρα από τα Τείχη» στην Πινακοθήκη Maremo Primo Marella στο Μιλάνο, Ιταλία το 2013 και το «Σειρά Τοιχώματος: Ασιατική (Un) Real Estate Project» στο Στάδιο Έργου στο Art Stage Σιγκαπούρη 2012.

Η Aditya είναι καλλιτέχνης με ευρύτατα ενδιαφέροντα και εργάζεται σε διάφορα μέσα ενημέρωσης για να σχολιάσει μια πληθώρα θεμάτων. Είναι εξίσου έμπειρος στο χειρισμό των πινέλων και των καμβάδων (όπως στο «Ζωγραφική Λογική» για να αποδώσει φόρο τιμής στη συχνά κρυμμένη δημιουργική διαδικασία), καθώς σχολιάζει (για παράδειγμα, αυτό που θεωρεί ότι είναι η αποτυχία του συστήματος δημόσιας στέγασης Ινδονησία στο 'The Wall Series: Ασιατικό (Un) Real Estate Project'). Αυτό που ορίζει το έργο του μέχρι στιγμής είναι το στοιχείο του παιχνιδιού χιούμορ που είναι το κλειδί για όλα τα έργα τέχνης του.

Μπορείτε να χρησιμοποιήσετε ένα ευρύ φάσμα υλικών για να δημιουργήσετε τα έργα σας. Πώς αποφασίζετε τι να χρησιμοποιήσετε για κάθε εργασία; Είναι σημαντικό για σας να πειραματίζετε συνεχώς με νέα υλικά;

Για μένα, το υλικό είναι ένα μέσο για να συνειδητοποιήσει μια ιδέα και όχι ένα σημείο εκκίνησης. Επιλέγω το μέσο που θα χρησιμοποιηθεί με βάση την έρευνα και την προσοχή, ώστε το μήνυμα να παραδοθεί στην καλύτερη του μορφή. 

Εργαλεία Αλφάβητο - Βούρτσα Σειρά # 6, 2014, Aditya Novali

Με ποιον τρόπο η εκπαίδευση σας στην αρχιτεκτονική διαμορφώνει τις καλλιτεχνικές σας επιδιώξεις, όπως για παράδειγμα το «The Wall: Asian (Un) Real Estate Project» (2012) και το «The Wall Series: Living Years» (2013-2014) ;

Ειλικρινά, ποτέ δεν χρησιμοποίησα σκόπιμα το φόντο της αρχιτεκτονικής μου στην κατασκευή της τέχνης μου. Αλλά άρχισα να συνειδητοποιώ ότι είναι στο αίμα μου. Η ευαισθησία μου στο χώρο και η γνώση των μεθόδων κατασκευής επηρεάζουν τον τρόπο που κάνω την τέχνη μου. Αυτό πιθανότατα φαίνεται καλύτερα στο "The Wall: Asian (un) Real Estate Project", έργο που ξεκίνησα το 2011 με βάση τις παρατηρήσεις μου για το πώς εξελίχθηκε το αστικό τοπίο. 

Πως ο χρόνος σας στην Ακαδημία Design Eindhoven και στις Κάτω Χώρες αλλάζει / ενημερώνει την προσέγγισή σας στην τέχνη;

Έμαθα να βλέπω τον εαυτό μου και την πρακτική τέχνης μου από μια διαφορετική οπτική γωνία. Για παράδειγμα, μπορώ να δω με μεγαλύτερη σαφήνεια τις δυνατότητες και τις αδυναμίες της χώρας μου, επειδή τις παρατηρούσα από μακριά. Η ποικιλομορφία των εθνικοτήτων στο σχολείο δημιούργησε πολύ δυναμικές και ενδιαφέρουσες συνομιλίες που διευρύνουν την προοπτική μου στα πράγματα. Παρόλο που το σχολείο επικεντρώθηκε στο σχεδιασμό προϊόντων, έμαθα πολλά για τη φιλοσοφία και τη σημασία της αμφισβήτησης του μέλλοντος. Αυτά έχουν επηρεάσει σημαντικά τον τρόπο με τον οποίο ανταποκρίνομαι στα υπάρχοντα ζητήματα, καθώς και τον τρόπο εκτέλεσης των έργων μου.

Εργαλεία Αλφάβητο - Βούρτσα Σειρά # 4, 2014, Aditya Novali

Η τέχνη συχνά δεν μπορεί να φορεθεί. Θα μπορούσατε να μιλήσετε για τα κίνητρα πίσω από τη σειρά "Ταυτότητα" (2010) που παρουσιάστηκε στην Έκθεση Cemara 6 τον Μάρτιο του 2014, όπου δημιουργήσατε περίπλοκα καρφίτσες κρανίου εμπνευσμένες από διάσημους καλλιτέχνες και έργα τέχνης, όπως ο Damien Hirst και το "Girl with a Pearl Σκουλαρίκι'? Θα βλέπουμε από εσάς πιο φορετή τέχνη;

Η σειρά «Ταυτότητα» αποτελεί μέρος του τρέχοντος έργου μου «StAtemeNt». Δημιούργησα αυτή την πειραματική πλατφόρμα για να προκαλώ συνεχώς τον εαυτό μου να προωθήσω τα όρια της συμβατικής αξίας στην τέχνη. Βλέπουμε όλο και περισσότερες διεπιστημονικές πρακτικές τέχνης σήμερα. Μπορεί να είναι πολύ αναζωογονητική, αλλά ταυτόχρονα δύσκολη. Η σειρά ταυτότητας ξεκίνησε από το ενδιαφέρον μου για την τέχνη, τη μόδα και το σχεδιασμό προϊόντων ως μέσο για να μεταφέρω την ιδέα του πώς βλέπουμε την ταυτότητά μας ως ανθρώπινο ον. Φέρνοντας τις καρφίτσες, ταυτόχρονα δείχνουμε και κρύβουμε την αληθινή ταυτότητά μας. Η έμπνευση από πολλούς διάσημους καλλιτέχνες αποτελεί μια μεταφορά της μορφής της ταυτότητάς μας με βάση τα πρότυπα και τις ιδέες που συναντάμε. 

Άγνωστη συζήτηση, 2015, Aditya Novali

Συνεισφέρατε στη σειρά «Αφηρημένη Λογική» στον «Ένας Πρίγκιπας για όλες τις εποχές: το Diponegoro στη μνήμη του έθνους, από το Raden Saleh μέχρι το παρόν» που πραγματοποιήθηκε στις αρχές του τρέχοντος έτους στο Galeri Nasional της Ινδονησίας, σε απάντηση του σύγχρονου Ινδονήσιου καλλιτέχνη Το έργο ορόσημο του Raden Saleh «Η σύλληψη του Diponegoro» (1857). Πώς έχουν επηρεάσει γενικά οι δουλειές σας προηγούμενες γενιές καλλιτεχνών της Ινδονησίας;

Πιστεύω ότι όλα συμβαίνουν για κάποιο λόγο. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο η ιστορία υπήρξε μια ενδιαφέρουσα πηγή έμπνευσης. Θαυμάζω πολλούς Ινδονήσιους καλλιτέχνες για τα καλλιτεχνικά τους επιτεύγματα, αλλά ενδιαφέρομαι περισσότερο για τις σκέψεις τους και τα ταξίδια τους ως καλλιτέχνες. 

Το 'Unknown Conversation' (2015), που παρουσιάζεται στο ArtJog 15, αποτελείται από περισσότερα από 3500 σχέδια ανθρώπων από τον Dr.Η έκθεση και το βιβλίο της Melanie Setiawan για τον κόσμο της τέχνης της Ινδονησίας. Τι σε έκανε να αποφασίσεις να δημιουργήσεις αυτό το έργο;

Όταν το ArtJog με έστειλε να συνεργαστεί μαζί τους, πρότειναν ως θέμα «fluxus». Πολλά από τα προηγούμενα έργα μου έχουν διαδραστικό χαρακτήρα και ήθελα να συνεχίσω με αυτό. Βρήκα το βιβλίο του Δρ. Melanie, το οποίο αρχειοθετεί το χρόνο της στον Ινδονησιακό κόσμο της τέχνης από το 1980 μέχρι σήμερα. Για μένα, καταγράφει την ουσία της σύγχρονης τέχνης σήμερα, όταν όλα, όλοι και παντού είναι πιο συνδεδεμένοι και αυτή η αλληλεπίδραση γίνεται πιο απαραίτητη για να διαμορφώσει την πραγματικότητα του κόσμου της τέχνης. Για αυτό το έργο τέχνης, ήθελα να καλέσω το κοινό να βρεθεί στο έργο μεταξύ 3500 ατόμων για να θυμηθεί τη μνήμη του γεγονότος όταν η φωτογραφία τους λήφθηκε και στη συνέχεια τέθηκε στο βιβλίο του Δρ Melanie. 

Τι δουλεύεις τώρα;

Προετοιμάζομαι για μερικές ατομικές εκθέσεις και ομαδικές εκθέσεις, μαζί με ένα κοινοτικό πρόγραμμα στη γενέτειρά μου, καθώς και την παραμονή μου στο Τόκιο στις αρχές του επόμενου έτους και μια νέα σειρά στο πλαίσιο του έργου μου «StAtemeNt».

Ιστορίες Credits

Κείμενο από Νάντια Γουάνγκ

Αυτή η ιστορία εμφανίστηκε για πρώτη φορά στην Art Republik.